Illustratrice, mais encore?

Découvrez ici l’histoire de l’aquarelle et les étapes nécessaires à la création d’une illustration.

1. Histoire et évolution de l’illustration à l’aquarelle

L’aquarelle, ou watercolor painting, occupe une place essentielle dans l’histoire de l’art et de l’illustration. Dès la Renaissance, des artistes tels qu’Albrecht Dürer ont exploré cette technique à base de pigments transparents et d’eau, permettant des lavis d’une grande subtilité. Au fil du temps, les peintres et aquarellistes (watercolorists) ont utilisé le papier Canson ou le parchemin pour tendre une feuille et créer des œuvres d’une transparence remarquable. L’aquarelle s’est imposée comme un médium privilégié pour le croquis, le dessin d’observation et l’étude du paysage (landscape painting).

Au XIXᵉ siècle, l’aquarelle s’étend avec le mouvement impressionniste. Des artistes comme Manet, Delacroix ou Degas l’intègrent à leurs esquisses et carnets, cherchant à capter la lumière et les couleurs vibrantes. Cette période voit également le développement de la gravure, de la lithographie et de l’estampe (printmaking), où l’eau-forte et l’encre de Chine apportent des nuances complémentaires. Aujourd’hui encore, la gouache et le pastel viennent parfois enrichir les illustrations contemporaines.

L’aquarelle, avec sa palette de teintes sépia, ses aplats colorés et ses ambiances vibrantes, reste indissociable du travail de nombreux artistes et illustrateurs. Utilisée dans la création de portraits, de fleurs, de paysages ou de compositions abstraites (abstract art), elle unit précision du dessin et spontanéité du pinceau.

2. La technique de l’aquarelle et des médiums associés

La technique de l’aquarelle repose sur la transparence et la superposition des pigments dilués à l’eau. Le peintre (painter) utilise un pinceau à lavis souple ou une brosse fine pour appliquer la couleur sur le papier. Le contrôle de l’eau et de la lumière est essentiel : peindre (to paint) à l’aquarelle exige maîtrise et sensibilité. Le godet, le crayon aquarellable (watercolor pencil) et la plume permettent de varier les textures et les effets.

Le lavis (wash) consiste à déposer une couche légère de couleur pour créer des dégradés harmonieux. L’aquarelliste (watercolorist) peut combiner cette méthode avec l’encre, le fusain, le graphite ou la peinture à l’huile (oil painting) selon le rendu souhaité. Certains artistes explorent également l’acrylique, la détrempe, la gouache ou le pastel pour accentuer les contrastes. Chaque pigment réagit différemment selon le support — papier, toile ou carton — et la qualité de la palette utilisée.

Le dessin préparatoire, ou esquisse (sketch), reste une étape cruciale : il fixe la composition avant les lavis successifs. Le coloriste ajuste ensuite les nuances pour obtenir une ambiance colorée cohérente. L’aquarelle, bien qu’apparente simplicité, requiert une grande expérience pour équilibrer opacité et transparence. Les termes anglais comme wet-on-wet (sur papier humide) ou dry brush (pinceau sec) décrivent des approches variées qui influencent la texture finale.

3. Le travail artistique de Jehanne Gavignet

Le site jehanne-gavignet.ultra-book.com